A.C.M. · Michèle BURLES · Hervé BOHNERT · Étienne CHAMPION · Stefan HOLZMÜLLER · Jean POUS · Morgane SALMON · Mitsuru TATEISHI

Outsiders ?

Le travail des huit artistes réunis dans le cadre de l’exposition Otsiders ? témoigne d’une capacité à ouvrir des zones de réflexion et de perception inédites. Les œuvres déplacent le regard, mettent en crise les critères qui structurent notre rapport à l’art, et invitent à considérer autrement ce qui fonde la valeur d’un geste créatif. Elles s’inscrivent dans le champ de la création contemporaine en y introduisant des formes qui ne se contentent pas de prolonger l’existant, mais qui l’interrogent et le transforment. Les discours s’en trouvent nourris, les pratiques déplacées, et l’expérience du spectateur élargie. La valeur d’une œuvre se mesure alors à sa faculté de faire naître des formes neuves et d’installer un système de pensée autonome.

Michèle Burles mêle dessin à l’encre, broderie à l’aiguille d’argent et travail textile. Ses silhouettes longilignes, humaines ou animales, sont découpées, cousues et enrichies de fragments textuels. Les six tableaux présentés procèdent de cette fusion entre récit intime, mémoire et gestes répétés, créant des paysages sensibles et fragmentés où l’image, le langage et la matière entrent en dialogue. Hervé Bohnert présente un travail autour du tissu avec une série de crânes réalisés à partir de napperons anciens. En transformant ces objets chargés d’histoire et de savoir-faire, elle fait basculer leur valeur décorative vers une dimension symbolique marquée par la mémoire et la fragilité. Le choix du crâne, motif universel de la vanité et du passage du temps, dialogue avec la finesse des broderies, révélant une tension entre permanence et disparition. À travers cette rencontre, Bohnert interroge la transmission, la place de l’ornement et la manière dont des objets modestes peuvent devenir porteurs de sens collectifs et poétiques. Étienne Champion part du dessin pour créer ses sculptures, travaillant sur la lumière, les ombres et les volumes. En dessinant de façon répétée les visages et corps sous différents angles et éclairages, il transpose ces études en formes tridimensionnelles qui oscillent entre abstraction pure et figuration. Selon le point de vue du spectateur, l’œuvre présentée se révèle ou se dérobe, questionnant la stabilité de l’image et la perception même du corps et de l’identité. Cette mobilité entre apparition et disparition engage une relation dynamique entre l’œuvre et son observateur. Les sculptures façonnées par Stefan Holzmüller (1949–2010) s’inscrivent dans une relation étroite avec la terre extraite autour de son atelier. Modelées à la main, cuites et patiemment travaillées, elles évoquent des villages miniatures, des architectures fragiles mêlées à des figures et végétaux imaginaires. Le personnage présenté conjugue une rigueur artisanale à un ancrage profond dans la mémoire du lieu et de la matière, matérialisant un rapport intime au temps et au territoire. La sculpture d’A.C.M. (1951–2023) se caractérise par un vocabulaire architectural fait d’éléments métalliques, de pièces techniques récupérées et de matériaux organiques. Sa forme procède d’une tension entre la précision du geste et la dégradation visible des matériaux, usés ou rouillés, qui confèrent à cet assemblage une dimension fragile et mouvante. Cette pièce évoque une machine, figure énigmatique qui habite l’univers d’A.C.M., à la fois figée et en perpétuelle transformation. Elle dégage une poétique particulière de la matière inscrite dans le temps. Le travail de sculpture de Jean Pous (1875–1973) s’appuie sur des formes simples et une gravure sobre. Il taille des pierres aux allures primitives et des visages stylisés, mariant frontalité et dépouillement. Avec des outils rudimentaires, il creuse pour faire apparaître des figures humaines, engageant un dialogue direct entre une figuration essentielle et la matière brute. Sa démarche, humble et directe, propose un regard singulier sur la sculpture comme œuvre de présence et de mémoire archaïque. Les deux céramiques de Morgane Salmon se déploient en ensembles complexes de volumes et textures. Ses formes mêlent reliefs et creux, avec des motifs colorés et abstraits s’inspirant d’une nature minérale foisonnante. L’accumulation de détails crée un espace plastique dense, offrant un regard renouvelé sur la surface et la matière. Les deux tableaux aux motifs circulaires de Mitsuru Tateishi sont créés par une superposition minutieuse de pigments, huiles et résines naturelles, donnant naissance à des surfaces stratifiées et dynamiques. Par un équilibre entre contrôle et turbulence, la couleur produit des effets de profondeur et de mouvement, invitant à une attention prolongée et méditative.

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The work of the eight artists brought together for the exhibition Otsiders? demonstrates a capacity to open up new zones of reflection and perception. Their works shift the gaze, challenge the criteria that structure our relationship to art, and invite us to reconsider what constitutes the value of a creative gesture. They belong to the field of contemporary creation while introducing forms that do not simply extend what already exists, but rather question and transform it. In doing so, discourses are enriched, practices displaced, and the viewer’s experience broadened. The value of a work then lies in its ability to generate new forms and to establish an autonomous system of thought.

Michèle Burles combines ink drawing, silver-needle embroidery, and textile work. Her elongated human and animal silhouettes are cut out, sewn, and enriched with textual fragments. The six works on view emerge from this fusion of intimate narrative, memory, and repeated gestures, creating sensitive and fragmented landscapes where image, language, and material enter into dialogue.

Hervé Bohnert presents a body of work around fabric, with a series of skulls crafted from vintage doilies. By transforming these objects imbued with history and craftsmanship, their decorative value shifts toward a symbolic dimension marked by memory and fragility. The skull—universal motif of vanity and the passage of time—converses with the delicacy of the embroidery, revealing a tension between permanence and disappearance. Through this encounter, Bohnert explores transmission, the place of ornament, and the ways in which modest objects can become bearers of collective and poetic meaning.

Étienne Champion begins with drawing to create his sculptures, working with light, shadows, and volume. By repeatedly sketching faces and bodies from different angles and under varied lighting, he translates these studies into three-dimensional forms oscillating between pure abstraction and figuration. Depending on the viewer’s perspective, the work either reveals itself or withdraws, questioning the stability of the image and the very perception of body and identity. This mobility between appearance and disappearance fosters a dynamic relationship between artwork and observer.

The sculptures of Stefan Holzmüller (1949–2010) are deeply tied to the earth extracted around his studio. Hand-modeled, fired, and carefully reworked, they evoke miniature villages, fragile architectures interwoven with imaginary figures and plants. The figure presented combines artisanal rigor with a deep anchoring in the memory of place and material, embodying an intimate relationship to time and territory.

The sculpture of A.C.M. (1951–2023) is characterized by an architectural vocabulary built from metal elements, salvaged technical parts, and organic materials. Its form arises from a tension between the precision of gesture and the visible degradation of the materials—worn or rusted—that give the assemblage a fragile, shifting dimension. The piece evokes a machine, an enigmatic figure inhabiting A.C.M.’s universe, at once frozen and in perpetual transformation. It conveys a distinctive poetics of matter inscribed within time.

Jean Pous (1875–1973) based his sculptural practice on simple forms and restrained carving. He shaped stones with a primitive appearance and stylized faces, combining frontality with spareness. Using rudimentary tools, he hollowed out the material to reveal human figures, establishing a direct dialogue between essential figuration and raw matter. His humble, straightforward approach offers a singular perspective on sculpture as a work of presence and archaic memory.

The two ceramics by Morgane Salmon unfold in complex assemblages of volumes and textures. Her forms merge relief and hollow, with colorful, abstract motifs inspired by a proliferating mineral nature. The accumulation of details creates a dense plastic space, offering a renewed perspective on surface and material.

The two circular-patterned paintings by Mitsuru Tateishi are created through the meticulous layering of pigments, oils, and natural resins, resulting in stratified and dynamic surfaces. Balancing control and turbulence, the colors produce effects of depth and movement, inviting prolonged and meditative attention.